Expo 2019 "XTENS"
“No sé si controlem alguna cosa”
2019
Esprai sobre
llenç
200 X 200 cm
El text com
un element plàstic sense lligams a la seva comprensió lingüística, buscant en
ell la força del gest, del "cursus" i el "ductus"
cal·ligràfic, del moviment enèrgic de la mà i el braç, el text com a color,
taca, textura , ritme, i en definitiva obra artística.
Així i tot,
també hi ha un cert joc en escollir aquests textos, ja que acostumen a
referir-se a elements de la nostra contemporaneïtat, en aquest cas les sèries
de televisió ("Mr.Robot" i "Westworld"), que d'altra banda
reflexionen sobre el món que ens ha tocat viure.
"No
sé si controlamos algo, si no solo hacemos lo que podemos
con lo que nos llega y punto. Constantemente tenemos que elegir entre dos cosas,
como entre dos cuadros para el salón, Coca-Cola o Pepsi, McDonald's o Burger
King, Hundi o Honda. Todo forma parte del mismo desenfoque. Es como un velo, es
la ilusión de tener elección. La mayoría no puede elegir su propia mesa, el
gas, los muebles, la electricidad, el agua que bebe o su seguro médico...
Incluso si pudiéramos, ¿acaso importaría? ¿Cuál es la puta diferencia? ¿No
es todo lo mismo? No, tío, nuestras elecciones están predestinadas".
“MR. ROBOT”
“En la
foscor, comences a veure”
2019
Esprai sobre
llenç
200 X 200 cm
Es denomina
cursus al camí que recorre l'element escriptor sobre un suport, en conformar
cadascuna de les lletres. Aquest camí que transita el cursus és un trajecte
predeterminat, que té relació directa amb l'estructura tipogràfica.
El ductus per
la seva part, fa referència als atributs formals, com intensitat, elegància i
desimboltura, que se li atorga al traç, determinant els aspectes formals i
perceptibles de la lletra, definint les modulacions de les astes, els ritmes,
la velocitat i la gràcia de l'aparença tipogràfica. Per tant, a partir del
recorregut d'un mateix cursus, és possible aconseguir variacions en la
morfologia tipogràfica, modificant simplement el ductus.
“Cuando
llevas mucho tiempo en la oscuridad, empiezas a ver.”
“El
laberinto es la suma de la vida de un hombre, sus decisiones, los sueños que
alberga. El hombre del centro es un hombre legendario al que han matado
incontables veces pero que siempre logra volver a la vida. Volvió una última
vez y venció a sus opresores con una furia inusitada. Erigió una casa, y
entorno a ella construyo un laberinto que solo él podía recorrer.”
“WESTWORLD”
Expo 2017 "AURA"
"Qui ets?, d'on vens?, on vas?"
195 x130 cm
Acrílic i esprais
2017
Texto:Aura como aquella fuerza o magnetismo intangible que emerge y se expande desde la realidad a lo paranormal. No científica, no comprobable pero que de una u otra manera todos hemos sentido, (y ahí está la clave SENTIR) alguna vez, en espacios, cosas o seres. Me gusta pensar en la pintura y en el arte en general, como uno de los ámbitos que mejor nos permite interconectar las áreas del cerebro encargadas de procesar los estímulos que recibimos, que sentimos. Como mínimo en mi caso es así. De ahí las líneas como sinapsis cerebrales que se entrecruzan descargando toda la simbología cromática fuera del marco rígido del soporte. Una energía que se desborda, superando los límites bidimensionales del lienzo hacia la intervención mural, remarcando su carácter único, y una trayectoria, un encuentro en el "ahora".
Expo 2016 "CONTAINER"
“La vida es horizontal, estrictamente una cosa detrás de otra, una cinta transportadora que nos arrastra poco a poco hacia el horizonte.” Inside the White Cube. The Ideology of the Gallery Space. Brian O’Doherty
De acuerdo solo son unas telas delineadas con espráis, pegadas a la pared.
Pero podemos ir más allá. Y hablar de cómo la vida y el arte comparten la verticalidad y la horizontalidad, y que frente a la verticalidad, masculina, profunda, caliente y desigual (arriba y abajo) aparece la horizontal, femenina, superficial, igualitaria, fría y seguramente más creativa. ¿No son el respeto y la tolerancia horizontales?
Como decía Kandinsky, la horizontal corresponde a una dimensión primordial de la experiencia, la del suelo sobre el que el hombre se sitúa, con la posibilidad de descansar o de desplazarse en él. La vida como desplazamiento, como un concepto lineal, unos sucesos se suceden a otros, dejamos cosas atrás y aparecen nuevas cosas en el horizonte. Sobre esta horizontalidad aparecen hechos que rompen, interrumpen su linealidad, hechos donde nos quedamos atrapados, donde no avanzamos, que nos detienen y obligan a mirar atrás o más difícil aún, a mirar hacia nuestro interior.
Una horizontal. ¿Una pintura egipcia? ¿Una pintura china? ¿Un grafiti? Una obra pictórica contemporánea. Una representación en un rollo de tela captando un gesto, un tiempo que se desarrolla de derecha a izquierda o de izquierda a derecha, tanto da, dando lugar a un movimiento lateral, y no en profundidad. Una mirada urbana a pie de calle y no hacia grandes edificios. Una mirada humana. Una idea de consonancia, de relación de igualdad entre distintos elementos. Una lectura visual que se relaciona con el espacio de lado a lado, con rupturas, alejándonos y acercándonos, una especie de fresco que quiere romper los límites del grosor y el marco del cuadro con el espacio, ya que este “no es solo el lugar en el que suceden las cosas. Las cosas hacen que el espacio suceda.”
TEXTO (Cat)
"La vida és horitzontal, estrictament una cosa darrere l'altra, una cinta transportadora que ens arrossega a poc a poc cap a l'horitzó." Inside the White Cube. The Ideology of the Gallery Space. Brian O'Doherty
D'acord només són unes teles delineades amb esprais i enganxades a la paret.
Però podem anar més enllà. I parlar de com la vida i l'art comparteixen la verticalitat i l'horitzontalitat, i que davant de la verticalitat, masculina, profunda, calenta i desigual (amunt i avall) apareix l'horitzontal, femenina, superficial, igualitària, freda i segurament més creativa. ¿No són el respecte i la tolerància horitzontals?
Com deia Kandinsky, l'horitzontal correspon a una dimensió primordial de l'experiència, la del sòl sobre el qual l'home se situa, amb la possibilitat de descansar o de desplaçar-se en ell. La vida com desplaçament, com un concepte lineal, uns successos se succeeixen als altres, deixem coses enrere i apareixen noves coses a l'horitzó. Sobre aquesta horitzontalitat apareixen fets que trenquen, interrompen la seva linealitat, fets on ens vam quedar atrapats, on no avancem, que ens detenen i obliguen a mirar enrere o més difícil encara, a mirar cap al nostre interior.
Una horitzontal. Una pintura egípcia? Una pintura xinesa? Un grafit? Una obra pictòrica contemporània. Una representació en un rotllo de tela captant un gest, un temps que es desenvolupa de dreta a esquerra o d’esquerra a dreta, tant és, donant lloc a un moviment lateral, i no en profunditat. Una mirada urbana a peu de carrer i no cap a grans edificis. Una mirada humana. Una idea de consonància, de relació d'igualtat entre diferents elements. Una lectura visual que es relaciona amb l'espai de banda a banda, amb ruptures, allunyant-nos i acostant-nos, una mena de fresc que vol trencar els límits del gruix i el marc del quadre amb l'espai, ja que aquest "no és només el lloc en el qual succeeixen les coses. Les coses fan que l'espai passi."
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Expo 2015 "REL'HATS"
Miquel Roura
“Tu sensualidad”
Acrílic i
esprais sobre lli
100 x 100 cm
2015
Miquel Roura
“Quitarme”
Acrílic i
esprais sobre lli
100 x 100 cm
2015
Miquel Roura
“Apenas hablamos”
Acrílic i
esprais sobre lli
100 x 100 cm
2015
Miquel Roura
“Morena de ojos inolvidables”
Acrílic i
esprais sobre lli
100 x 100 cm
2015
“Punto de Encuentro”.
A menudo, no sabemos por qué,
pero recogemos momentos, imágenes o textos que en ese momento no sabemos qué
hacer con ellos, pero que con el tiempo les encontramos una utilidad.
Así me sucedió con unos
recortes de periódico que guardé en el año 2007. Por esas fechas el periódico
“El País” publicaba cada viernes un suplemento llamado EP3, que venía a ser un
recorrido por la últimas tendencias sobre música, cine, moda, etc. dirigido
siempre a un público joven, inquieto y usuario de nuevas tecnologías. En él
había una sección “Punto de encuentro” que pretendía ser un ámbito de contacto
entre los lectores a través de sus cuatro subsecciones “Te vi”, “Busco”, “Me
ofrezco” y “Relaciones”. Los mensajes se realizaban por SMS y con un máximo de
160 caracteres, incorporando un número de referencia que permitía la respuesta.
Desde el primer momento me
llamó la atención la sección “Te vi” donde los lectores se dirigían
directamente a su interlocutor/a con un lenguaje entre directo, poético y callejero.
La mayoría tenían un aire de momento perdido y de esperanza, hablaban de
“encuentros” fugaces que no se habían acabado de resolver como hubieran querido
y dónde la melancolía se mezclaba con la decepción, a la vez que una cierta
esperanza en el reencuentro. Mensajes dentro de botellas lanzadas al mar, sin
esperanza en la mayoría de casos de ser leídos por la persona indicada, pero
con una gran carga emocional. ¿Cuántos de esos mensajes se llegaron a
contestar, a completarse?
Ese lenguaje pre-twitter, con
su carácter de inscripción callejera de puerta de wáter cutre, pero lleno de
poesía, conciso, directo y nostálgico, es lo que he intentado transmitir en mis
obras, traduciendo palabras en elementos plásticos. La palabra como elemento gráfico
plástico, sin ataduras a su comprensión lingüística, buscando la fuerza del
gesto, del “ductus” y el “cursus” caligráfico, del movimiento enérgico de la
mano y el brazo. El texto pasa a ser color, mancha, textura y ritmo, mensajes
sin respuesta.
“Punt de trobada”
Sovint, no sabem
per què, però recollim moments, imatges o textos que en aquell instant no sabem
què fer amb ells, però que amb el temps els trobem una utilitat.
Així em va
passar amb uns retalls de diari que vaig guardar l'any 2007. Per aquelles dates
el diari "El País" publicava cada divendres un suplement anomenat
EP3, que venia a ser un recorregut per les últimes tendències sobre música, cinema,
moda, etc. dirigit sempre a un públic jove, inquiet i usuari de noves
tecnologies. En ell hi havia una secció "Punto de encuentro" que
pretenia ser un àmbit de contacte entre els lectors a través de les seves
quatre subseccions “Te vi”, “Busco”, “Me ofrezco” i “Relaciones”. Els missatges
es realitzaven per SMS i amb un màxim de 160 caràcters, incorporant un nombre
de referència que permetia la resposta.
Des del primer
moment em va cridar l'atenció la secció “Te vi”(“Et vaig veure”) on els lectors
es dirigien directament al seu interlocutor/a amb un llenguatge entre directe,
poètic i de carrer. La majoria tenien un aire de moment perdut i d'esperança,
parlaven de “trobades” fugaces que no s'havien acabat de resoldre com haguessin
volgut i on la malenconia es barrejava amb la decepció, alhora que una certa
esperança en el retrobament. Missatges dins d'ampolles llançades al mar, sense
esperança en la majoria de casos de ser llegits per la persona indicada, però
amb una gran càrrega emocional. Quants d'aquests missatges es van arribar a
contestar?, a completar?
Aquest
llenguatge pre-twitter, amb el seu caràcter d'inscripció de carrer, de porta de
vàter brut, però ple de poesia, concís, directe i nostàlgic, és el que he
intentat transmetre en les meves obres, traduint paraules en elements plàstics.
La paraula com a element gràfic, sense lligams a la seva comprensió
lingüística, buscant la força del gest, del "ductus" i el
"cursus" cal·ligràfic, del moviment enèrgic de la mà i el braç. El
text passa a ser color, taca, textura i ritme, missatges sense resposta.
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“Un cuento de Cortázar” composición formada por 5 lienzos de 100 x 100 cm, inspirada en “Graffiti” un relato de Julio Cortázar (escritor argentino 1914-1984) de su libro "Queremos tanto a Glenda"
« Un cuento de Cortázar 1
100 x 100 cm. Esprais,pintura acrílica y papel sobre tela.
« Un cuento de Cortázar 2 »
100 x 100 cm. Esprais,pintura acrílica y papel sobre tela.
« Un cuento de Cortázar 3 »
100 x 100 cm. Esprais,pintura acrílica y papel sobre tela.
« Un cuento de Cortázar 4 »
100 x 100 cm. Esprais,pintura acrílica y papel sobre tela.
« Un cuento de Cortázar 5 »
100 x 100 cm. Esprais,pintura acrílica y papel sobre tela.
La periferia esconde el interior, así como la piel esconde
el esqueleto, un interior que al fin y al cabo nos iguala. Nada es lo que
parece y todo está conectado.
Las obras que
presento (elaboradas de manera
individual, pero presentadas como un conjunto) no pretenden ilustrar, a pesar
de su título, un cuento de Julio Cortázar. Quieren ir un poco más allá.
El trabajo planteado como pura abstracción, como un juego con
sprays, plantillas y collage, de colores, texturas, formas, ritmos, relaciones
y composición, se transmutó, se replanteó en el momento que el extraordinario
relato del escritor argentino llego a mis manos.
El cuento se mueve en dos niveles sobrepuestos, una aparente
historia de amor entre dos personajes que se comunican a través de sus “marcas”
o graffitis en los muros de una ciudad; y otro nivel en el cual el autor
describe el estado de represión, paranoia y violencia que conlleva toda
dictadura y en concreto la Argentina de los años 70 y 80.
Esa piel y ese interior es en lo que de repente se
transformaron mis obras, para seguir hablando de lo urbano, como he hecho
últimamente, pero combinando una aparente frivolidad plástica con la denuncia
de la violencia, el desorden, la banalidad o la vulgaridad, de los muros y
paredes que nos envuelven. De ahí que las obras individuales se transformaran
también en un conjunto, en una sola obra, insistiendo en la idea de muro y
acercando mi trabajo a su hábitat natural: el espacio urbano.
(Versió en
català)
La perifèria amaga l'interior, així com la pell amaga
l'esquelet, un interior que al cap i a la fi ens iguala. Res és el que sembla i
tot està connectat.
Les obres que presento (elaborades de manera
individual, però presentades com un conjunt) no pretenen il·lustrar, malgrat el
seu títol, un conte de Julio Cortázar. Volen anar una mica més enllà.
El treball plantejat com a pura abstracció, com un
joc amb esprais, plantilles i collage, de colors, textures, formes, ritmes,
relacions i composició, es va transmutar, es va replantejar en el moment que
l'extraordinari relat de l'escriptor argentí va arribar a les meves mans.
El conte es mou en dos nivells sobreposats, una
aparent història d'amor entre dos personatges que es comuniquen a través de les
seves " marques" o graffits en els murs d'una ciutat; i un altre
nivell en el qual l'autor descriu l'estat de repressió, paranoia i violència
que comporta tota dictadura i en concret l'Argentina dels anys 70 i 80.
Aquesta pell i aquest interior és en el que de
sobte es van transformar les meves obres, per seguir parlant del que és urbà,
com he fet darrerament, però combinant una aparent frivolitat plàstica amb la
denúncia de la violència, el desordre, la banalitat o la vulgaritat, dels murs
i parets que ens envolten. Per això les obres individuals es van transformar també
en un conjunt, en una sola obra, insistint en la idea de mur i apropant la meva
feina al seu hàbitat natural: l'espai urbà.
EXPOSICIÓ "en el Limit(e)" 2013
« FRANGES /FRANJAS 1, 2, i 3 »
"Franges 1 / Franjas 1"
134 x 173 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat.
"Franges 2 / Franjas 2"
100 x 100 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat.
"Franges 3 / Franjas 3"
100 x 100 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat.
« Envoltat per la societat actual del crit, el soroll, la sobre informació i la lluita de discursos oposats, tres obres autònomes, independents, interactuen juntes. Sense pretendre-ho els seus elements, colors, textures, ritmes, composició, es perllonguen més enllà dels seus límits físics, l'irregular suport reciclat del cartell urbà.
Les tipografies impreses en el paper es transformen en taques i el llenguatge gestual de l'esprai, marca de fàbrica del "street art" (juntament amb l'art digital, autèntica revolució artística dels nostres dies, contestatari, popular i molest) recorda la cal·ligrafia.
Capes superposades de paper, cola, tinta, pintura i més pintura. Reserves que tracen superfícies geomètriques, rutes, límits. Taques i esquitxades que remeten al text i a la pròpia imatge de l'antic cartell, que aflora a l'exterior desencaixat i buit del seu significat.
Franges de color que podríem interpretar com banderes o discursos, que lluiten per imposar-se o que simplement, si els deixen i poden, vulguin conviure unes al costat de les altres. Però l'art sempre ha estat abstracte, es fon amb la realitat que l'envolta, però per ventura la realitat veritable no és en si invisible? Potser aquestes obres tan sols intentin expressar alguna cosa de mi que encara desconec. »
miquelroura.blogspot.com/
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« Rodeado por la sociedad actual del grito, el ruido, la sobre información y la lucha de discursos opuestos, tres obras autónomas, independientes, interactúan juntas. Sin pretenderlo sus elementos, colores, texturas, ritmos, composición, se prolongan más allá de sus límites físicos, el irregular soporte reciclado del afiche urbano.
Las tipografías impresas en el papel se transforman en manchas y el lenguaje gestual del spray, marca de fábrica del “street art” (junto con el arte digital, auténtica revolución artística de nuestros días, contestatario, popular y molesto) recuerda a la caligrafía.
Capas superpuestas de papel, cola, tinta, pintura y más pintura. Reservas que trazan superficies geométricas, rutas, límites. Manchas y salpicaduras que remiten al texto y a la propia imagen del antiguo cartel, que aflora al exterior desencajado y vacío de su significado.
Franjas de color que se podrían interpretar como banderas o discursos, que luchan por imponerse o que simplemente, si les dejan y pueden, quieran convivir unas al lado de las otras. Pero el arte siempre ha sido abstracto, se funde con la realidad que lo rodea, ¿pero acaso la realidad verdadera no es en sí invisible? Tal vez estas obras tan solo intenten expresar algo de mí que aún desconozco. »
miquelroura.blogspot.com/
"Franges 1 / Franjas 1"
134 x 173 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat.
"Franges 2 / Franjas 2"
100 x 100 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat.
"Franges 3 / Franjas 3"
100 x 100 cm. Esprais i pintura acrílica sobre paper reciclat